El Dr. Alakrán, miembro original y fundador de los famosos
Caballeros del Plan G, se encuentra en su segunda faceta como solista, con la
que lidera diversos proyectos, entre ellos el trabajo en conjunto con la
agrupación que formó en Durango.
“Tengo por ahí de 25 años trabajando. Siempre he estado mezclando
géneros, mezclando ritmos”, señaló el Dr. Alakrán en entrevista para En Reproducción.
La agrupación que formó en la década de los 1990, logró
conectar con el público rápidamente y establecer un preámbulo del hip-hop en
México, sobre todo al dar el salto en la colaboración con Control Machete para
En El Camino, lo que hasta hoy es el máximo hito en la carrera del Dr. Alakrán.
“Con Control Machete, porque sin estar en una disquera, sin
contar con una madrina o padrino, logramos llamar la atención de esa
agrupación, una de las más importantes de hi-hop en español”, explicó con
emoción y cierta añoranza.
“El estar en el mismo estudio con el productor, Jason
Roberts, con El gran silencio, Natalia Lafourcade, Molotov, y que de todas esas
bandas, que nosotros admiramos, escogieran nuestra canción como segundo
sencillo. Ese fue un golazo”, sentenció con emoción.
“Pero hay otros picos. Metí trece canciones a la primera
temporada de Club de Cuervos, el Vive Latino en los XV años, el Sinfónico en
2021”, añadió.
“En esta nueva faceta estamos lanzando sencillos
periódicamente. Desde noviembre estamos lanzando uno cada mes. Estaremos
lanzando un disco a finales del año y estamos trabajando para llevar el
concierto sinfónico de rap, primero en México y si se puede, cruzar fronteras. Todo
eso implica muchos artistas invitados, así que, mientras el cuerpo y la mente
nos lo permitan, seguiremos pateando fuerte ese balón”.
Sus referencias deportivas se deben a su fanatismo por el
Club Santos Laguna, en el futbol, aunque “soy más de béisbol. Mi papá fue
beisbolista y quería que yo también lo fuera, pero le salí basquetbolista,
jugué becado mucho tiempo, hasta que apareció la música y, como dice Camila,
todo cambió”, agregó entre risas.
El trío mexicano de rock, Urcid and the Macizo, estrenó hace
poco tiempo el tema, La llave del Universo, por lo que se dieron un espacio
para hablar al respecto y sobre lo que viene para la banda.
“Es uno de los sencillos que sacamos recientemente. Retrata
el sonido actual de la banda. Es una canción que habla sobre alcanzar nuestras
metas, nuestros sueños y dejar ir lo que ya no sirve, tomar lo mejor de esa
experiencia para seguir adelante. Sonoramente tiene una fusión de rock, que
remonta una canción muy famosa de Led Zeppelin”, mencionó Fer Urcid en
entrevista para En Reproducción.
La agrupación es completada por Evel Gallegos, en la
batería, y Karla Molkovic, en el bajo, quienes se integraron desde hace más de
un lustro y, para La llave del Universo contaron con Guillotelo, de La Maldita
Vecindad, así como Vinico Toledo, Ariel Cavalieri y Jorge Corella, como
artistas invitados.
“Es un proyecto que tiene seis años funcionando. Fusionamos
el rock con música latina, nos busca el funk, el soul, el jazz, son nuestras
influencias. Surge por la inquietud de hacer canciones que tenía desde pequeño,
de hacer música original. Tenemos canciones que hablan desde lo social, hasta
del amor y desamor, nos gusta hablar de todo, pero siempre con el rock como
bandera”.
Urcid and the Macizo tiene nuevo material en puerta, así
como una última presentación antes de dicho lanzamiento, programada para este
viernes 15 de marzo. El trío dejará de serlo pronto, pues celebrará la
integración de más integrantes.
“Para el siguiente listo estamos integrando a dos compañeros
más y todavía sigue evolucionando la alineación de este proyecto. Hemos estado
en trío por mucho tiempo y el nuevo disco requiere de cinco integrantes para
que nuestra música deba sonar como se debe”.
La artista sueca de ascendencia uruguaya, Caro Luna,
recientemente estrenó el tema, Acapulco, en el que expuso una anécdota que la
dejó marcada desde niña, donde fue olvidada por su abuelo en un autobús, pero
sola, a pesar de su corta edad, pudo volver a casa.
“Muchas personas me han dicho, ‘a mí también me pasó cuando
era niña’. Abre puertas para conectar con personas, es lindo”, mencionó
entrevista para En Reproducción.
La anécdota de Acapulco
Tuve una charla con Caro Luna de forma remota, ella paseaba
en el servicio subterráneo de Estocolmo, mientras yo la escuchaba desde México,
por lo que la conversación se sintió con
toda la esencia de su carrera, pues es ella es de Suecia, pero su familia es
uruguaya; autoexiliada de aquel país durante los tiempos de la dictadura.
El punto de reunión de la familia de Caro Luna era México,
particularmente Acapulco, de donde surgió esta historia de su infancia que
convirtió en canción.
“Fue muy lindo poder escribir esta canción porque es una
historia que me siguió toda la vida. Cuando fui madre empecé de vuelta a pensar
en lo que sucedió en mi niñez, pensé, qué lindo sería alguna vez escribir sobre
esta historia”, describió.
“Ya con el proyecto de Caro Luna fue que empecé a escribir
cosas más personales, sobre cosas que pasan en la vida, amor, desamor, y esta
historia me seguía persiguiendo. La melodía comenzó salir, quería que sonara como
a México de alguna manera, que se escuchara que pasó en México”.
La anécdota de cómo regresó a casa y fue recibida entre
lágrimas se convirtió en una canción, pero antes de eso ya era una leyenda
familiar.
“Durante toda mi niñez se habló de esto. En mi familia y en
Uruguay, mucha gente sabía de esta historia porque era increíble, lo más
increíble es cómo llegué yo sola a esa edad. Mi memoria es como la de mi
familia, es especial”, explicó.
“Me preguntaban, cómo llegaste, quién te ayudó. Me acuerdo
también que todo mundo quedó tan contento y que me dieron una bebida para
celebrar, de la que no pienso hacer propaganda, pero era muy conocida y para
mí, solo se tomaba cuando había una boda o una fiesta. Pero de adulta me di
cuenta de lo increíble que era, de por qué era una fiesta”.
Acapulco fue estrenada el pasado 8 de marzo con el fin de
demostrarla fortaleza de las mujeres desde la infancia. Algo que es innato en
ellas, pero que se va perdiendo al crecer, pues nuestra sociedad acostumbra vulnerarlas.
“Pienso que en este mundo las mujeres, las niñas,
lamentablemente perdemos gran parte de la fuerza, de una especie de
inteligencia, de intuición que quizá tenemos, no digo que los hombres no la
tengan, pero creo que a las niñas les cortan las alas y pierden la confianza en
la voz interna que tienen”, describió.
“Yo ahí a los cuatro años me quedé tranquila y capaz que
unos años más tarde no habría podido hacer lo que hice. Quizás no me hubiera
ido tan bien, no sé. Entonces, el 8 de marzo lo que yo quería hacer era mostrar
que todo eso, lo que yo tenía, todavía lo tengo y sería lindo que todos
tuviéramos la oportunidad de escuchar al niño que tenemos dentro”.
Para Caro Luna, la sociedad está muy lejos de alcanzar las
condiciones para que hombres y mujeres vivan con igualdad.
“Creo que esto de involucrarse en un sistema y lo que la
sociedad te impide, es algo que le pasa a hombres, mujeres y todos, pero quizás
la mujer es más víctima de ciertas reglas y cosas que hacen que no podamos ser
demasiado valientes”, relató.
“Siento que para hacer cambios profundos todavía queda mucho
por hacer. Es el sistema en que todo está basado en nuestro mundo, no creo que
sirva en realidad. Ni a hombres ni a mujeres les sirve el patriarcado, no
podemos basar nuestra sociedad solamente en los géneros. Todo el mundo estaría
mejor si tuviéramos metas para todos, más igualdad”.
Lo nuevo de Cara Luna en 2024
La artista estrenará el tema Amanecer en abril y, para el 10
de mayo llegará Tiempo de Amar, su nuevo material discográfico, que se
convertirá en su cuarto trabajo en dos años.
Estudio sobre el Amor fue el primer álbum de Caro Luna,
lanzado en 2022; al año siguiente estrenó los EP, Cada Día y Para Amar,
mientras que en el actual 2024 llega su nuevo material. La artista también
compartió cómo fue que su historia con tres países influyera en la música que
ha creado.
“Escuchaba de todo: tango, balada, bolero, música brasileña,
música de México. Estar en México de niña me quedó bastante marcado, de olores,
de paisajes. Es ahí donde está mi sensibilidad musical. Escuché también mucha
música en inglés y de todo el mundo, pero escribir en español para mí es
natural, es el idioma en el que me hablaban mis padres”, apuntó.
“La música es una forma de viajar. Hacer música que no es
típica sueca, me hace sentir que estoy en México, a pesar de que estoy en mi
casa en Estocolmo”.
Finalmente, comparó el servicio subterráneo de Estocolmo con
el Metro de la Ciudad de México, donde celebró que haya un vagón para mujeres, aunque se mostró
triste porque se tenga que necesitar.
El músico capitalino Alain Rayas se encuentra de manteles largos por el lanzamiento reciente de su último sencillo, Muy idiota, además de las presentaciones que tiene durante este mes, por eso se dio unos minutos para hablar con nosotros.
"Es un tema sobre cómo muchas veces seguimos ahí a pesar de todo, es un tema bastante chido que hace recordar a un amor o alguien importante. Los arreglos de guitarra están bastante buenos", indicó en entrevista para En Reproducción.
Hace unos meses, Alain Rayas también estrenó el tema Antivax, una canción inspirada en las personas que llevan una filosofía contradictoria, que juegan una doble moral, pero que no pierden tiempo en menospreciar su entorno.
"Iba dirigida a una persona terraplanista y antivacunas, por eso el
nombre; después se convirtió en un himno a todo lo que odio: los
feminicidios, la violencia, etc. La situación del mundo está infame. Hay
cosas que no se necesitan y eso se percibe en la canción".
Alain lanzó su primer EP homónimo en 2014, producido por la célebre Madame Recamier; pero su maduración musical llegó con la pandemia, aunque sin perder su estilo noventero.
"Empecé a escuchar lo que hacía antes y no me terminaba de gustar el producto final. La pandemia me dio el tiempo suficiente para corregir detalles".
La década de 1990 está impregnada en la vida y el estilo de Alain, quien justamente en esa época tuvo un primer y mágico acercamiento a la música, que lo atrapó para siempre.
"Un tío de Guadalajara tenía una banda en los 1990 y Alex González, de Maná, llegó a ensayar a su casa, cuando la banda aún ni tenía shows. Me tocó estar en uno de esos ensayos y dije, 'yo quiero ser él'".
La segunda pasión de Alain es el automovilismo, por lo que es fan de la Fórmula 1 y aunque piensa que Sergio Pérez es el mejor piloto que ha dado México en la historia, al Checo le ha faltado carácter y autocrítica para ser mejor.
"No hace por mejorar en donde le han dicho. Además, creo que es de los pilotos que peor actitud tiene. En cambio Lewis Hamilton me firmó una gorra con una sonrisa".
Alain Rayas se presentará el próximo 14 de julio en el Doppler Bar de Texcoco, ciudad en donde estuvo a principios del año para el Beer Fest, donde tocó La Gusana Ciega. El 15 se presentará en la Ciudad de México y el 29 en Toluca.
La Marconi se encuentra promocionando su nuevo sencillo,
Cuando no hay nadie, del que habló con En Reproducción en entrevista, donde
también compartió experiencias acerca de su carrera y residencia en México.
“Soy cantautora de Argentina. Vivo hace 13 años en Ciudad de
México. Acabo de lanzar mi nuevo material, Cuando no hay nadie, una canción que
habla de un momento duro de mi vida. Siempre, a través del arte, trato de
abrazar a la gente para salir adelante de cualquier tipo de violencia. La intención
es sanar a través del arte”.
Cuando no hay nadie forma parte de una serie de lanzamientos
a los que La Marconi, nacida en Buenos Aires en 1985, denomina como los Hits
Clandestinos.
“En 2017 comencé a formarme más seriamente como compositora,
a forjar esta identidad de La Marconi como cantautora. Venía de transitar
varios momentos difíciles y estas canciones fueron un salvavidas, un manual de
supervivencia. Son canciones fuertes, catárticas, no forman parte de mi momento
como compositora, pero sí de mi identidad. Los escuchaba en forma de mantra”.
La Marconi es egresada de la Sociedad de Autores y
Compositores de México, también es pionera de su estilo, el salad music, una
fisión de géneros que van desde el neo soul y funk, hasta el reggae y el blues,
además, da clases de canto a principiantes.
“El que quiere animarse a dar ese paso me puede contactar.
Es una actividad no solamente recreativa, sino que ayuda mucho a la formación
de la expresión, a animarse a hablar, a exponerse; tiene que ver mucho con la
emocionalidad, desarrolla los hemisferios del cerebro, es bastante
cognitiva-conductual”.
Como artista independiente, La Marconi ha tenido que picar
piedra produciendo su arte en cada paso. “Soy todóloga porque no hay un músculo
financiero atrás. Cuando uno se autogestiona, quizá el camino es mucho más lento
porque tienes que hacer de todo, en mi día no alcanzo a hacer todo lo que
quiero, pero sí yo dirijo, edito, guiono, diseño, compongo, produzco, escribo,
musicalizo, hago todo”.
Finalmente, la frase que más marca a La Marconi de su
reciente estreno, Cuando no hay nadie, es: “por la sangre me corre una perra
rabiosa que no necesita ladrar para darse a temer”.
El próximo 15 de febrero llegará al Auditorio Nacional en la
Ciudad de México el espectáculo Dance of Epics, un evento de danza turca que también
es conocido como Anatolian Dance Performance.
“Dance of Epics habla de la historia de Turquía y lo
muestran mediante baile. Son 12 puestas en escena que van desde la creación
hasta las guerras, amores y desamores, las historias más representativas de su
país”, señaló Juan Carlos Alzaga, promotor del evento, en entrevista para En
Reproducción.
“La última vez que vinieron fue en 2016 y luego de cinco
años de preparar un nuevo show regresa al Auditorio Nacional con más de 40
bailarines y música propia. Somos el único país en Latinoamérica que va a tener
este espectáculo”, agregó.
El show viene a México como parte del intercambio cultural
que se ha ido dando entre ambos países en los últimos años. “De un tiempo para
acá se pusieron de moda las novelas turcas y los viajes a Turquía”.
El director de la puesta en escena es Serhat Turak, quien ya
tuvo la experiencia de participar con el grupo de bailarines como protagonista.
“Son 12 diferentes vestuarios, una iluminación y
representación magnífica. Nosotros los tenemos desde el 13 de febrero, el 14
hay gira de medios y el 15 se realiza el show. El director quiere mucho a
México, anteriormente fue uno de los mejores bailarines de la compañía; tenemos
planeadas visitas turísticas a varios lugares”.
El grupo sonorense La Cheve lanzó recientemente el tema Y
para qué, en busca de conquistar no solo al público norteño de México sino a
todo el país con su estilo de música, es por ello que se tomó un tiempo para
charlar al respecto.
“Es un tema que hicimos para apostar a entrar en la Ciudad
de México con este ritmo en 2023. Es un tema original, ahí traemos varios así,
pero también tenemos covers: traemos El sol no regresa, El pajarillo, entre
otros”, indicó Joel Padilla en entrevista para En Reproducción.
El baterista de La Cheve compartió un poco de la historia
de la agrupación, cuyo recorrido es de apenas cuatro años en la escena, pero
con una ambición y estilo con el que buscan colocarse en el gusto de muchos.
“La Cheve se formó en septiembre de 2018. Nos juntamos para
hacer una grabación a petición de una empresa de Culiacán, Sinaloa, en un
estilo cumbia norteña para poder entrar al mercado de forma más fácil, debido a
que ese ritmo no se estila tanto en la región y da la pauta para hacer bailar a
la gente”, explicó.
“Todos tienen corridos, entonces nosotros nos vamos por la
otra parte del estilo norteño. Con este grupo la gente se desestresa bien en
los eventos masivos. Somos 80 por ciento cumbia y lo demás es norteño clásico”.
El nombre de la agrupación salió de la inspiración de uno de
sus exintegrantes, quien no pudo continuar con ellos por las complicaciones que
el Covid-19 le ocasionó a su salud.
“Le pusimos La Cheve debido a que en las fiestas todo el
tiempo la cerveza ahí está. En los eventos, ahí está. Cumbia, fiesta y cheve
nunca deben de faltar en ninguna fiesta”, acotó Padilla.
“Somos seis elementos tocando: Fernando (acordeón), Alfonso
(guitarra), Ricardo (voz), Rogelio (bajo), Roberto (percusiones) y su servidor,
Joel”.
La banda también cuenta con covers de canciones célebres, en
su particular estilo, como Pequeña y frágil y 40 grados, con las que pretenden
hacerse de un nombre, dado que su proceso ha sido el de labrar un camino desde abajo.
“Tenemos varias anécdotas, pero nos ha pasado que, por falta
de presupuesto, a las giras llevamos nuestro lunch en vez de pasar a
restaurantes”.
La cantautora mexicana Lucille Hurt estrena su material
discográfico en solitario, Smart Pop, mediante algunas presentaciones en CDMX,
por ello se dio un espacio para hablar con nosotros al respecto.
“El título es Smart Pop, es pop elegante, no es al que
estamos acostumbrados. El título hace alusión a que engloba diversos géneros de
la música popular que a mí me gusta, como por ejemplo soul, disco, reggae,
rocksteady, un toquecito de calipso, folk y jazz”, indicó en entrevista para En
Reproducción.
“Son géneros que para mí son muy elegantes por eso le he
puesto Smart Pop, así es como defino este concepto, quería diferentes géneros y
no seguirme solo a uno porque me aburro. Tenía ganas de hacer un proyecto
ecléctico.
“La puesta en escena, la de los músicos y cómo está la
creatividad en los videos y mis páginas es también elegante. Me gusta mucho
llevar esa imagen, es como me visto, como me gusta estar, la música y la imagen
van a la par”.
Smart Pop no solo se encuentra en todas las plataformas
digitales de Lucille Hurt, también llega en formato físico y explica las formas
en que el público puede adquirirlo.
“De momento se puede adquirir en los conciertos, este
domingo en el Foro del Tejedor a las dos de la tarde, al terminar el concierto
voy a tener los discos, y en la presentación oficial que es el martes 6 de
diciembre en el Foro Indie Rocks a las 8 de la noche. Quien no pueda asistir
los puede obtener en mi página web”.
De Smart Pop se desprende el sencillo Vestido gris, que en
el video musical le significó un esfuerzo considerable en la utilería, pues la
bicicleta utilizada le llevó 12 horas en terminarla; un esfuerzo que ella sola
llevó a cabo.
“Es una canción que tiene aroma retro como todo el disco, es
un modern soul. La canción suena vintage aunque tiene una producción
contemporánea con una letra que habla sobre la apatía que podemos llegar a
sentir de relacionarnos con los demás, de las ganas de alejarnos de la
sociedad, de recluirnos en nosotros mismos.
“Vestido gris hace alusión a la desnudez del cuerpo, del
espíritu, del alma, a la necesidad de amar en libertad. Habla sobre el sexo, de
ser libres sin ataduras y de expresarnos cada quien como queramos”.
Lucille Hurt no tiene un género favorito, pero acepta que
existe uno con el que tiene más experiencia, así que es parte de la transición
a su carrera como solista.
“Predomina en el álbum el soul, yo venía de 12 años de
carrera musical con The Lucilles, mi antigua formación; venía haciendo soul
clásico en inglés, entonces la evolución a este producto en solitario es muy
natural, no sé si es mi favorito, pero aquí predomina el soul, un modern soul,
más suave, más elegante”.
El artista español Álvaro Ruiz se encuentra en México para
una serie de presentaciones en donde tocará las canciones de su álbum Llorería,
por ello se dio unos minutos para charlar al respecto con nosotros.
“La Llorería es mi tercer álbum. Salió a la luz en abril. Es
una oda, una alegoría a 2020, es un disco que se creó en su mayoría en
confinamiento, en plena pandemia. Hace referencia a todas las razones que
tenemos para llorar en 2020 y 2021”, señaló en entrevista para En Reproducción.
“El título viene de una frase que se suele decir: a llorar a
la llorería, como si hubiera un lugar para eso. Es una forma de decir que todos
los adultos tenemos razones para llorar. Es un sencillo para desquitarnos de la
pena y celebrar la vida”.
Álvaro Ruiz se presentará este miércoles 30 de noviembre en Guadalajara, el 2 de diciembre en Puebla y el 3 en la Ciudad de México.
Previamente visitó Colombia y para 2023 contempla más países de Sudamérica,
como Argentina y Chile.
“Llegamos anoche como a las 12. Nos acogieron muy bien, un
amigo que por cierto es el chico que hizo la tapa y toda la parte gráfica del
disco. Es Yare Carrillo, un artista muy bueno de Ciudad de México, con el que
hemos trabajado también en los video-lyrics”.
El español también compartió su gusto por la gastronomía
mexicana, que le encantó desde el
momento en que piso este país.
“No llevo ni 24 horas y ya llevo como 20 tacos, soy amante
de comer. Comí de costilla, de al pastor, suadero, uno de chorizo y res,
buenísimo. Me gustan mucho los frijoles charros, pero me quedo con el suadero”.
La Llorería es un material que contó con varias
colaboraciones, una de las más destacadas es la de El Kanka para la canción
Noviembre, que curiosamente se grabó en ese mes, aunque trajo consigo un
pequeño inconveniente.
“El Kanka, uno de los artista que colabora en el disco, lo
esperamos para grabar como un año. Originalmente la idea era lanzar el álbum en
noviembre de 2020 y nos esperamos hasta 2021 para grabar con él, le metimos
prisa para que pudiera grabar.
“Lo esperamos en Barcelona, pero el grabó su parte en
Málaga, la mandó y nos dijo ‘ya está grabado, chavales’, pero se equivocó en
una palabra, en vez de decir la frase ‘anudemos nuestras venas’, dijo ‘anudemos
nuestras velas’, entonces nos echamos las manos a la cabeza diciendo ‘no puede
ser, después de un año esperando esto, de repente a mi compadre se le va la
olla’.
“Entonces el productor musical, con todo su conocimiento y
herramientas pudo resolver el problema haciendo parecer que la palabra sí decía
venas en vez de velas. Es uno de los milagros de la tecnología actual”, dijo
entre risas.
Nauci Gold visita México para un par de presentaciones en la
capital del país con motivo del lanzamiento de su material discográfico,
Lowlights, por lo que se dio unos minutos para charlar con nosotros al
respecto.
“Lowlights es mi primer LP, había sacado antes un pequeño EP
de cinco canciones, se llamaba Roots. Este es mi primer disco de nueve
canciones. La base es de soul con elementos étnicos y sintetizador para hacerlo
un poco más moderno”, declaró en entrevista para En Reproducción.
Nauci Gold se presenta este viernes 25 de noviembre en el
sur de la Ciudad de México y cinco días después tendrá una presentación en un
recinto legendario de la Colonia Roma.
“Voy a estar en Pulso Música en Coyoacán, voy a tocar cinco
canciones en acústico, algo íntimo y el 30 estaremos en el Foro Indie Rocks con
la banda entera tocando el LP casi en su totalidad además de algunas canciones
del EP”.
Sobre su visita a México, Nauci Gold destacó la calidad que
ha tenido la gente para recibirlo, así como la comida de la que ya contaba con
agradable experiencia.
“Venía con expectativas muy altas y las han superado, todos
han sido súper amables, desde el conductor de Uber hasta los músicos con los
que estoy trabajando. Tenía la suerte de
ya haber probado la comida mexicana porque en Los Ángeles estuve viviendo con
una familia mexicana. Los burritos me encantan”.
Así mismo, el cantante originario de Islas Canarias contó cómo
fue su acercamiento con la música, además de compartir todo su bagaje cultural,
el cual siempre ha sido diverso, por su tierra de origen.
“Casi todos los recuerdos de mi infancia son escuchando
música, aunque en mi familia nadie se dedicó a la música. Empecé a entrarle
porque unos amigos montaron una banda, luego me mudaba y a donde iba montaba
mis bandas; estuve viviendo en Londres, luego me fui a estudiar a Estados Unidos
y al volver me lo tomé más profesional.
“Las Islas Canarias pertenecen políticamente a España, pero
estamos muy cerca de África, tenemos mucha relación con México y Colombia, así
que hay mucha diversidad cultural que hace especial al lugar”.
También habló un poco sobre la Copa del Mundo que se lleva a
cabo en Qatar, donde dijo estar sorprendido por el 7-0 de España a Costa Rica,
pues no esperaba tanto de su selección en esta ocasión.
“A mí me gustaría, lo digo de corazón, que México o algún equipo
africano ganara el Mundial, ojalá le vaya bien a México y a España en este
Mundial”.
La artista española Belenciana se encuentra en México para
presentar en vivo su último material discográfico Educación Sentimental, por
ello se dio unos minutos para hablar al respecto y sobre su visita a nuestro
país.
“Educación Sentimental es un LP que ya está en todas las
plataformas digitales. Son 12 canciones que exploran un poco el mundo de las
relaciones, el amor en todas sus fases, tiene un punto autobiográfico y otro
más amplio en el que espero que la gente se sienta identificada”, señaló
Belenciana en entrevista para En Reproducción.
También compartió una anécdota emotiva sobre el proceso de creación
de Educación Sentimental, en donde su pasado jugó un papel sumamente importante
tanto musical como emocionalmente.
“El primer single, hicimos un video con imágenes de mi
infancia. En los 1980 no muchas familias tenían cámara, pero mi madre sí compró
una y mi hermana y yo jugábamos a hacer videoclips de Madonna, el recuperar
esas imágenes de hace 30 años como esa cápsula del tiempo, de verte chiquita,
el cambio de voces, ver gente que ya no está como mi abuelita, ha sido muy
emotivo.
“Siempre quedará en mi historia hacer ese homenaje a las
personas que me acompañan. Desde pequeña a mí me encantaba ver las páginas
amarillas, buscaba estudios para ir a cantar, yo quería ser ‘cantanta’”.
Belenciana se presentará en el Foro Indie Rocks! de la
Ciudad de México, ubicado en la colonia Roma. “El martes 29 vamos a tener la
oportunidad de cantar las canciones de Educación Sentimental y del EP anterior.
Que vengan a vernos. Las entradas se pueden adquirir a través de Passline de
forma gratuita”.
La artista española compartió que se siente emocionada por
la forma en que la gente mexicana la ha tratado desde su llegada, además de que
está impresionada con la habilidad culinaria de la capital del país.
“No he tenido la oportunidad de conocer mucho la ciudad,
pero me estoy quedando con lo bien que estamos comiendo y lo majísima que es la
gente, todo el mundo está siendo muy cariñoso y madre mía, no hay un sitio malo
donde comer. He notado una hermandad entre españoles y mexicanos que me ha
emocionado mucho. Hay un respeto mutuo entre ambas culturas”.
Hablando de internacionalización, Belenciana habló un poco
de la Copa del Mundo que se celebra en Qatar durante los últimos días de
noviembre y primeros de diciembre, donde tiene sentimientos encontrados a pesar
de la reciente victoria de España sobre Costa Rica.
“No tuve la oportunidad de ver el partido, ¡7-0!, yo soy
futbolera, pero por todos los problemas de organización ando como Alejandro Sanz,
con el Corazón Partío, con ganas de seguir lo que pasa en el Mundial, pero
también, no verlo está más ajustado a los ideales que tengo”.
La banda franco-chilena Ajimsa está por concluir su gira por
México, la segunda que realiza, por ello se dio unos minutos para hablar sobre
la experiencia de viajar este país y un poco acerca del material discográfico
que están presentando.
“En México la gente es muy acogedora, más aun que en Chile.
Este año y el año pasado nos tocó estar en Día de Muertos, este año tuvimos la
gran suerte de participar en el Festival Catrina de Nuevo Laredo con los
altares, la vestimenta, la gente”, comentó Julie Gaye, vocalista de la Ajimsa,
en entrevista para En Reproducción.
“En el segundo día de presentación tocamos en un panteón, es
una cosa cultural tremenda, la gente muy feliz de celebrar a sus muertos; tanto
en Chile como en Europa no se está acostumbrado a celebrar a sus muertos de una
forma tan colorida”.
La también acordeonista de Ajimsa comentó que ambas visitas
de la agrupación a México han coincidido con su aniversario, por lo que les ha
tocado celebrar como toda banda sueña: tocando y viajando.
“Los fundadores somos Cristian, el guitarrista, y yo, nos
conocimos en 2009, en el 2015 empezamos a pensar en la banda y en 2016 grabamos
un primer disco. Comenzamos grabando un disco y después formamos la banda. El
primer concierto que hicimos fue el 28 de octubre de 2016 entonces hace poquito
cumplimos seis años.
“Estamos en Santiago de Chile, soy francesa, pero llevo más
de 15 años en Chile. El año pasado empezamos a salir y el primer país que
visitamos fue México y ahora estamos en nuestra segunda gira aquí, donde nos
quedan dos festivales: el Festival Internacional de Jazz y algo más de Mazunte
(18 de noviembre) y el Festival Aguablanca de Atizapán de Zaragoza (19 de noviembre)”.
La también tecladista del grupo franco-chileno adelantó lo
que se viene para la banda en el 2023. “Estamos planeando el próximo año el
lanzamiento de nuestro nuevo disco. Ya hemos lanzado tres sencillos, el nuevo
fue el que nos trajo de gira a México”.
Para Julie Gaye es muy difícil escoger una canción favorita
de entre todas las que han compuesto, pero ofrece una recomendación sobre lo
más nuevo de Ajimsa.
“Cada vez que sacamos una canción nueva es mi favorita, las
dos últimas me gustan, Nakba que es un tema con contenido político-social, un
homenaje al pueblo palestino, la letra está en francés, pero en YouTube los
subtítulos están al castellano; el último sencillo, Ñuke Mapu, me gustan los
arreglos y la colaboración de Waikil, un rapero macuche”.
La cantautora chilena Rocío Peña se encuentra promocionando
su EP Del Trueno, lanzado en 2020 y con el que ya ha podido hacer giras,
incluyendo una por México recientemente, es por ello que se dio unos minutos para
hablar de su trabajo con nosotros.
“Es un compilado de canciones escritas en
distintos lugares en una misma época. La canción que le da el nombre al EP se
llama Del Trueno y fue compuesta en parte en Alto Bio bio, en la región que yo
vivo, pero hacia la cordillera”, declaró en entrevista para En Reproducción.
“Me tocó estar ahí y de pronto vino la tormenta y se
escuchaban los truenos tan fuerte que era como si estuviera en la fábrica de
los truenos, entonces quedó eso en el verso y también se mezcla con la
etimología del lugar de donde provengo que es una comunidad que se llama Talcahuano,
su nombre viene del mapudungún (idioma mapuche), Tralkawenuv, que significa
cielo tronador. Me hacía sentido por mi propio origen y por el lugar donde fue compuesta
la canción”.
Rocío Peña presentó Del Trueno en México durante una gira en
octubre que le permitió presentarse en escenarios como el Metro Hidalgo, En el
Kinto Piso, Fato Tláhuac, Metro Chabacano, Auditorio Barco Utopía, el Foro
Indie Rocks, entre otros.
“Me sentí muy bien, estoy muy agradecida; es muy hermosa la
relación del pueblo de México con el arte. Su generosidad para dar a conocer
proyectos nuevos es hermosa, habla muy bien de ustedes, de su presencia, de su
apertura. La gente fue muy amable, en todos los lugares donde me tocó tocar,
tanto público como compañeros músicos, muy generosos todos, me dejaron una
buena impresión, espero volver pronto”, señaló.
A la cantautora también le gustó de México “su gente, su
memoria histórica, la relación con el arte y la cultura en general. La comida
igual, ¡qué maravilla!, ya extraño los chilaquiles con salsita verde y todo. La
forma que tienen de convivir, hacen que se sienta espacio y comunidad, hacen
que se sienta muy ameno a pesar de ser tan poblado”.
Rocío Peña también se dio la oportunidad para hablar de las
limitantes que tienen ella y otros artistas, sobre todo mujeres, a la hora de
integrarse a la escena musical en su natal Chile.
“Como mujeres nos enfrentamos a varios inconvenientes que
tienen que ver con la falta de equidad, que son problemas que enfrentamos
todas, pero más que nada es que tenemos una gran cantidad de creadores y de lo
demás (nuestro ecosistema musical) hay menos: lugares dónde presentarse,
producción, industria, medios especializados”, indicó.
“De los creadores somos un chingo, eso hace que queramos
salir, porque lamentablemente las secuelas de la dictadura todavía se sienten.
La relación con el arte del pueblo chileno todavía es más reticente, acá se
habla mucho de la formación de audiencias, es decir, educar para el arte,
todavía estamos sanando porque el arte se nos arrebató a punta de violencia.
“Se mató a un montón de creadores, se quemaron un montón de
libros y los programas educativos han ido recortando las horas de historia,
arte y música. Todavía hay una relación un poco extraña que muchas veces se ve
mediada por los medios de comunicación que no reflejan en absoluto todo el
panorama musical actual, es una lucha, es una resistencia estar acá”.
La Tierra y Maleza son dos de los sencillos que más la
atrapan en Del Trueno; sin embargo, para Rocío Peña es como elegir un favorito
entre los hijos, así que no es fácil anteponer unas canciones sobre otras.
También compartió que las dificultades para compartir música a veces inician
desde muy cerca.
“De la ciudad de donde soy no hay actividad cultural, es muy
poca y desde la alcaldía hay cero interés. Suena terrible, pero es verdad,
invitan solo a las bandas de las fuerzas armadas. Espacio para mujeres
creadoras y creadores en general, no hay. Me gustaría que mi ciudad estuviera
llena de cultura, pero lamentablemente hay una conciencia que todavía falta
cultivar”.
Para la cantautora, la frase de este EP que más la atrapa y
se acerca a lo que ella quiere transmitir como artista es: Solo nos pertenece
este punto de encuentro, que se encuentra impresa en el diseño del disco.
Tenemos un dicho en Chile que dice el que nace chicharra
muere cantando. Yo creo que los dones son un poco así, en parte los elegimos,
pero en parte nos eligen. Creo que la música es algo que nos trasciende como
humanos, yo confío mucho en esa energía, en la madre música me encomiendo.
Tenemos la posibilidad de alcanzar un mundo mejor del que recibimos. Los días
oscuros se pasan cantando.
La banda chihuahuense Desplantes se encuentra estrenando el
video de su segundo sencillo, Ira, Ira, por ello se tomaron unos minutos para
charlar al respecto y hablar un poco de la historia de la propia agrupación.
“Ira, Ira ya la traían el guitarrista y el baterista, ellos
la traían como puro cotorreo, yo la escuché y dije ‘está chidíta’. Luego Jesús
Arriaga, el saxofonista de Inspector me dijo, ‘está muy chida la música para la
letra que tiene’. Le empezamos a dar forma y ya al final quedó una historia de
una relación que se arregla. La canción trae la onda de los 1990, lleva ska,
nostalgia y chacoteo, ideal para bailar”, describió Iván Chavero en entrevista
para En Reproducción.
Ira, Ira forma parte del álbum Viejos Locos de Mar, que en
general lleva una temática noventera y muestra que la alineación de Desplantes
está llena de experiencia.
“Todo lo consensuamos. Queríamos que el título dijera que no
somos chavitos, que ya tenemos rato cada quien dándole en su trinchera y ya ves
que existe la expresión de viejo lobo de mar y de ahí se deformó a Viejos Locos
de Mar”, agregó el vocalista de desplantes.
Iván Chavero también habló sobre los orígenes de la
agrupación, que se dio hace poco tiempo y que sirvió para alivianar la
situación sanitaria que aún aqueja al planeta.
“Somos una banda de Chihuahua que nos formamos durante la
pandemia. Yo estaba en el DF cuando empezó todo esto, vivía allá y estaba en
otra banda, estoy en Seis Pistos, pero ahorita se encuentra en pausa; allá nos
juntamos y comenzamos a componer. Sacar este disco fue nuestra terapia durante
la pandemia”, explicó.
“Nos pusimos muchos nombres, pero ninguno nos llenaba. Hasta
que Desplantes apareció, nos gustó por el movimiento en el que ejercitas, los
desplantes, también cuando te enojas haces desplantes, suena como punk, como
trans. La canción surgió como un desplante, pero al final la fuimos armando
bien”.
Además de Iván Chavero, Desplantes está conformada por Luis
Óscar Medina (guitarra), Scrappy (guitarra), Pablo Domínguez (bajo) y Óscar
Luis Medina (batería).
“Nos conocemos desde hace mucho, los gemelos Medina viven a
cinco metros de mi casa, donde crecimos en el barrio. Todos teníamos de perdida
unos 15 años dándole al punk rock”.
Entre los escenarios que como agrupación les gustaría pisar,
tienen en mente algunos de los festivales más importantes del momento en
Latinoamérica, así como uno significativo, por lo que le dio a las bandas
emergentes mexicanas.
“Nos gustaría tocar en un Vive Latino, Tecate Pa’l Norte e
incluso nos estuvieron gestionando para el Skatex, pero especialmente me
gustaría ir a tocar a los últimos shows del (Foro) Alicia”, puntualizó.
El maestro de la cumbia, Alberto Pedraza, culminará el ciclo
de festejos por sus 50 años de trayectoria musical con presentación el próximo
20 de noviembre en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México, por ello se
dio unos minutos para charlar al respecto.
“Vivirlos es lo más difícil y gracias a Dios lo estoy
logrando. Vienen invitados y sorpresas al festejo”, señaló en entrevista para
En Reproducción. "Se escogió ese día para que en realidad, como buenos mexicanos,
vayamos a ese evento por los 50 años de mi trayectoria y festejemos el aniversario de
la Revolución Mexicana”.
El festejo es una culminación de un ciclo de dos años, pues
durante la pandemia Alberto Pedraza trabajó y fue estrenando sus clásicos en
nuevas versiones que forman parte de un material conmemorativo.
“Viene un disco de vinil con todos los artistas que
colaboraron para que el público se lleve un gran recuerdo de estos 50 años”,
explicó.
Todos los artistas que colaboraron para elaborar el material
discográfico de aniversario participarán en el show del 20 de noviembre, pero
aun así, Alberto Pedraza deja lugar a sorpresas para dicha noche.
Sonarán “Cumbia Gabacha con Dr. Shenka, fue el primer
artista que nos hizo el favor de hacer la colaboración; el segundo fue Santa FeKlan con Cumbia Callejera; el tercero, Amor Sincero con María Barracuda; el
cuarto, Los Siriguayos con Hoy vi a la negra; el quinto, Corazón enamorado con
Raymix y el sexto, La cumbia de las estrellas con nuestro gran amigo, Big Javy.
“Todos estos artistas le han dado un cambio a mis melodías
clásicas, ellos pusieron toda su esencia y estilo. Han sido éxitos los videos
que se han grabado con ellos. El último tema, para cerrar con broche de oro, va
a ser La guaracha sabrosona, con el que cerramos el ciclo de los 50 años de
trayectoria musical”.
Por si fuera poco, además de festejos, colaboraciones, shows
en ferias y giras, como la que darán en Estados Unidos este fin de semana,
Alberto Pedraza también está listo para el Mundial de Qatar 2022, pues adaptó
uno de sus célebres temas como himno para México en la competencia.
“Hicimos el tema del Corazón solitario acomodado para la
porra de la Selección Mexicana. Esperamos que el tema sea cantado allá en Qatar
para que la gente apoye a la Selección”, puntualizó.
Vena de Rey se encuentra promocionando su más reciente
sencillo, El Camino, en el que colabora Carolina Ross, por lo que se dieron el
tiempo para hablar al respecto, además de curiosidades sobre su carrera.
“Nos llevamos muy bien con ella, llegó a ir
al rancho para convivir con nosotros, nos ha pedido canciones. Estuvimos
buscando una canción hasta que escribimos El camino, le hicimos la propuesta y
le gustó. Estamos muy contentos de colaborar”, señalaron César y Alejandro
Martínez en entrevista para En Reproducción.
“El Camino que te lleva a todos lados es la frase que más le
gustó a todos, incluso ayudó a definir el título de la canción, porque se iba a
llamar de otra forma”.
Sobre cómo se iniciaron en el mundo de la música, el dúo que
da vida a Vena de Rey explicó su parentesco con uno de los músicos más
prominentes de la música regional mexicana, además de otras influencias.
“Mi hermano y yo, toda la vida juntos, haciendo de todo
juntos, deportes, de todo. De nuestro tío Joss (Favela) nació un interés por la
música, mi papá también es músico, no se dedicó de profesión, pero tenía una
escuela de música y siempre ha tocado con amigos. Siempre hubo música dentro de
la casa, con corridos y rock. Del lado materno está el regional y del paterno
está el rock”.
El linaje también influyó en el nombre del dúo, además de un
evento fortuito que les pareció indicado para romper con esquemas del género.
“Queríamos darle el sentido de que la música viene de la
sangre, pero también nos ayudó un amigo que tenía preparada una larga lista de
nombres y ahí estaba Vena de Rey; nos gustó, además de que no es un nombre
convencional para un grupo de música regional”, explicaron.
Vena de Rey tuvo la oportunidad de acompañar a Intocable de
gira por Estados Unidos y tanto César como Alejandro esperan tener más
colaboraciones con la celebre agrupación.
“Crecimos con el rock, pero mi primer acercamiento con la
música regional fue con Intocable, que metía cosas diferentes de lo que hacían
otros artistas del género”.
La agrupación mexico-belga-argentina,
El Juntacadáveres, comenzó con el primer pasó de su gira por México, con
presentaciones el 26, 27 y 29 de octubre en diferentes puntos de la CDMX, así
que aprovechó su visita para platicar con nosotros.
“Tenemos 10
fechas en total porque también nos presentamos en ciudades como Aguascalientes
y Querétaro”, además de Valle de Bravo, León e Irapuato, comentó Enrique Noviello, líder de la banda, en entrevista para En Reproducción.
“Estamos lejos de
casa. Me da curiosidad cómo reaccionará el público hispano a nuestra música.
Nadie había visitado México, solo Domingo, para el resto de los miembros, no. Estamos
concentrados en hacerlo bien”, agregó.
El miembro
argentino de El Juntacadáveres compartió cómo se formó la banda hace más de 10
años, así como la razón del nombre que usan.
“La banda surgió
por hechos fortuitos. Uno, cuando estaba en una gira por Alemania, encontré un
bandoneón, no sabía que era un instrumento de más de 100 tonos; y dos, fue
cuando encontré el libro del Juntacadáveres, de Juan Carlos Onetti, y de ahí se
fue dando la idea de componer alrededor de los personajes del libro", describió Enrique.
“A mis compañeros
los fui conociendo, como en todo, por giras y al final nos reencontramos para
formar la banda. Son colegas que fuimos coincidiendo en varios proyectos. Ahora
nos conocemos con solo mirarnos”.
La agrupación
está formada por un integrante argentino, otro mexicano y cuatro belgas; tres
nacionalidades que estarán presentes en el Mundial de Qatar 2022. Al respecto,
el líder de la banda habló de la pasión por el futbol que sienten los miembros
de El Juntacadáveres.
“Ni a Domingo ni
a mí nos conmueve el futbol en gran magnitud, aunque cuando hay Mundial siempre
me uno a la tradición futbolera. En Bélgica hubo una fiebre futbolística de
grandes proporciones durante el pasado Mundial”.
Finalmente
compartió un par de anécdotas graciosas que les ocurrieron en una gira
asiática, con cierto contraste entre ambas situaciones.
“Cuando fuimos de
gira a Corea del Sur, estuvimos seis días tocando y uno de nosotros se sintió
mal, no salió nunca a tocar porque literalmente se la pasó cagando”, señaló
entre risas junto a sus compañeros.
“Tocamos en un
festival coreano, en un momento nos bajamos del escenario y de repente ya no
podíamos subir porque literalmente teníamos a un mundo de coreanos encima. El
personal de seguridad tuvo que venir a rescatarnos. Fue un recibimiento muy
cálido”, explicó sobre el otro curioso suceso.
El dueto Afro-Anden Funk, integrado por la cantante peruana
Araceli Poma y el bajista estadounidense Matt Geragthy, recibió recientemente
una nominación a los Latin Grammy por Mejor Álbum de Música Alternativa.
“Ha sido muy emocionante para
nosotros, lo tomamos con bastante tranquilidad porque nuestro trabajo es
realmente la constancia del día a día que tenemos para salir adelante como
músicos, en mi caso para dar a conocer la cultura de mi país, las historias de
mi país con música”, señaló Araceli Poma en entrevista para En Reproducción.
La nominación la recibió el álbum
The Sacred Leaf, estrenado en mayo pasado con contenido en español y quechua,
la lengua indígena más hablada en Sudamérica, por lo que es un álbum que
también trasciende culturalmente.
“Ha sido importante que este disco recoja un poco lo que es
la raíz afro-peruana, la raíz andina, la raíz amazónica a través de algunas
historias como la que hacemos en el tema Agua del olvido, donde hablamos de los
rituales chamánicos y la importancia que tienen en la cultura de mi país”,
explicó.
Araceli contó también cómo fue que conoció a Matt Geragthy, lo
que se dio en 2018 y a partir de ahí se dio una conexión laboral que ha llegado
hasta los oídos de la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación.
“Este encuentro ha sido muy bonito con Matt. Él llega a
Lima, Perú con el proyecto de investigación de la música peruana y convoca a
diferentes artistas, entre los que estuve yo, donde le conté sobre la raíz
afroperuana, luego fui convocada para el siguiente proyecto documental que hubo
en Puerto Rico y eso nos permitió seguir trabajando. Después me mudé para Nueva
York y fundamos esta banda que nos trae muchas satisfacciones, Afro-Andean Funk”.
Araceli Poma y Matt Geragthy también recibieron la
nominación a Mejor Video Musical de Larga duración por el documental The Warrior
Women of Afro Peruvian Music, donde un grupo de artistas peruanas plantean un
desafío al racismo, al sexismo y la marginación de la sociedad.
“Como dúo no hemos tenido dificultades, hemos conectado muy
bien musicalmente. El reto lo tenemos en sí en la industria, en lo difícil que
es hacer música y vivir de la música. Con constancia, con ganas, con amor es
posible y esta nominación es una muestra de que sí se puede.
“Estas diferencias culturales que hay, musicalmente a veces
yo he sentido el tiempo en un lugar y Matt sentía que el tiempo de la canción
estaba en otro lugar, pero ha sido fácil comunicarnos porque Matt habla muy
bien español y yo estoy mejorando mi inglés”, apuntó.
